《黑镜》起初是英国电视4台与美国Netflix联合出品的科幻单元剧，通过独立的科幻故事，涵盖人工智能、虚拟现实、社交媒体操控等议题，展现科技的阴暗面，以及它对人类情感、道德和社会结构的冲击。
这些独立的故事有着不同的演员和故事背景，甚至是架空的社会现实，但都隐喻着当下的时局。正如主创查理·布鲁克所说：“标题中的‘黑镜’其实随处可见——每面墙上、每张桌上、每个掌心：那些电视、监控和智能手机冰冷的屏幕。”
《黑镜》于今年4月播出第七季，共六集，其中第三集《梦幻酒店》由华裔女导演王昊鹭执导，因其细腻的女性情感戏和复古质感深受喜爱。网友们称其为“《卡罗尔》与《燃烧女子的肖像》的融合”，赞其为“《黑镜》最浪漫的一集”。
《黑镜》第七季第三集
《梦幻酒店》以“AI复刻已故演员”的设想为背景，讲述女演员与电影中虚拟角色的爱情故事，探讨了数字意识的存在合理性与女性的自我认知等主题。知名演员布兰迪受邀参与一部翻拍的黑白电影，通过使用AI设备，替代原来的男主角与女主角克拉拉展开对手戏。
拍摄过程中的失误导致了模拟系统的重启，虚拟的克拉拉得以触碰系统的边界，自我意识觉醒。她继承了已故演员多萝西的记忆与人格，与布兰迪逐渐发展出了超越剧本的感情。最终，克拉拉为保护布兰迪选择自我毁灭，以自己数字生命的消逝成全了一个真实人类的自由，让自己能被铭记。
作为《黑镜》中首次由华裔导演掌舵的一集，《梦幻酒店》的东方美学视角无疑为这个经久不衰的IP注入了新鲜感，成为全球化创作团队的标志性成功案例。
制作人试图用AI修复经典电影，却因技术失控催生出了别样的艺术表达，这或许是一种对创作者与工具主客体倒置的暗喻和讽刺。导演王昊鹭凭借跨领域背景和对经典电影的深厚理解，赋予这一集美学高度与哲学深度。
黑白与彩色画面被用以区分虚拟片场与现实世界，老电影中有着古典优雅的梦幻感，现实的控制室看似灯光柔和，却因布满花花绿绿的设备略显压抑，“戏中戏”的多层次感与超现实氛围得以强化。这也是《黑镜》系列首次引入了“AI复刻真人演员”的设定，在不远的将来，这一切似乎都不会是无稽之谈。
“我的代码里写满了爱，但只有死亡能将它化为现实。”《梦幻酒店》的科幻外衣包裹着古典的悲剧内核，延续了《黑镜》对科技异化人性的批判，但开放式的结局也罕见地展现了数字时代独有的诗意与救赎。
布兰迪与克拉拉在虚拟世界共舞，镜头逐渐褪去黑白滤镜，象征着被时代压抑的禁忌之恋冲破束缚，也有一种女性对自我认知的正视与拥抱。而克拉拉牺牲自我的感性选择，暗示了爱与人性的本质并非算法可以模拟，不论脆弱还是坚强，它们都是真实生命体验的一部分。
值得一提的是，《梦幻酒店》播出后立即在中国社交平台引发许多讨论，从对克拉拉觉醒时间点等细节的讨论，到结尾她成为缸中之脑赛博宠物的“细思极恐”……不仅是因为情节，两个角色的CP感也让人津津乐道。
许多人盛赞本剧新旧融合的质感和艾玛·科林可塑性十足的表演，称艾玛为有千种面孔的“古典美人”，仿佛真的有位“多萝西”出演了《梦幻酒店》这部不存在的老电影。也有观众表示伊萨·雷的表演让人有些出戏，她和扮演亚裔制作人的奥卡菲娜贡献了剧中大部分的夸张式表演，与整体含蓄的氛围形成了反差，这削弱了叙事张力，影响了观感。
《环球银幕》采访
《梦幻酒店》导演王昊鹭
王昊鹭，一个曾经的投行精英女孩，因为偶然看了伯格曼的《假面》决定改行当导演。于是她游学意大利，又在英国国家电影电视学院读了导演专业硕士，毕业后定居伦敦，执导过英剧《尸体》、《神秘博士》和近期备受瞩目的《黑镜》第七季第三集《梦幻酒店》。现在她刚生完第二个孩子，也在筹备首部自编自导的长片作品，在一个照顾新生儿的深夜，伦敦的她与洛杉矶的我完成了这次对谈。
采访/潘萌
Q：你好，非常感谢你在深夜照顾完孩子后还接受远程采访，辛苦了。
A：不客气。《环球银幕》是我最喜欢的杂志，我从小就用零花钱买，一直收集。
Q：你是怎么得到《黑镜》第三集这个工作机会的，为此做了什么样的准备？
A：当时也是有点阴差阳错，我在一个交流会上先见了监制杰西卡·罗兹，并没有谈论具体的项目。我提到很喜欢黑白电影，她就好像有点意外，因为很多剧集导演都不太喜欢老电影，尤其是好莱坞的剧集导演。
我觉得这一集跟所有的《黑镜》都不一样，没有那么极客的烧脑内容，所以杰西卡可能比较难找到合适的导演。她把剧本发给我看，我觉得很有意思，接着就去见了制片人查理·布鲁克，我很认真地做了一个策划案，正好和他想要的方向一致，他们就把这个工作给了我。
Q：查理·布鲁克是整个《黑镜》系列的主创，也是本集的编剧，他在创作上的把控严格吗，是否给了你发挥空间？
A：他在黑白段落和两个女主角之间的情感上给了我很多自由，控制室的场景则由他主抓。他更在乎符合“黑镜”概念框架的东西。
说实话，我对那些不是特别感兴趣。我更感兴趣的是梦中的世界。我有很大的空间去决定酒店的形态、角色的服装等，而控制室里哪些人坐在哪、什么时候说什么台词，特高科技的那种归他管。我俩关注的点不一样，所以正好。（笑）
Q：整集中你最喜欢的一个镜头是什么？
A：是我手机壁纸的这张，我给你看一下。（女主角站在酒店布景的边缘，伸手触碰的背影。）那一瞬间很有张力，包括这顶帽子我都很喜欢。那一瞬间很“黑镜”，也很存在主义——一个女人触摸到自己生命的真相。
Q：这次你是如何指导演员表演的？尤其是面对资历和“咖位”更大、不同族裔和背景的女演员？
A：第一次见演员的时候，我可能会仰慕她们的身份，但到了现场，我能很自然地进入导演的工作状态。开拍前有一周时间，让我和艾玛·科林、伊萨·雷三个人一起彩排。但我不想让她们去排演具体段落，而是想让她们破冰，互相了解对方。
所以我就让她们在这一周内做一些即兴练习：我自己编了两个小故事，是跟戏里的心理状态和情感内核相关联的，当她们表演时，我会有意观察她们怎么去演绎这些情感，去找她们的长板短板和表演节奏。
比如科林的风格很快，她能非常迅速地理解该怎么演，但很快又会感到无聊，注意力集中的时间较短。而伊萨比较慢，她需要时间进入角色，慢慢打开自己，她们的表演节奏是不一样的。所以在现场实拍的时候，我就先拍科林的特写，再拍伊萨的反应。
我也会专注于创造让演员沉浸其中的氛围感，比如她们两个第一次去现场时，我要求清场。这点其实很难做到，但所有人都被我赶走了，我让她们走进空荡荡的拍摄现场，沉浸在40年代风格的酒店场景里。甚至我自己都躲在一旁避免打扰她们，我想让她们自主想象，自由地成为角色。
拍摄时我不会拍很多很多条，第一条我会让演员自己去演，给我一个观察的空间，然后再“对症下药”去调整。我比较敏感，希望通过观察和引导，去“催眠”演员。她们演得最好的时候往往处于不自知的状态，我不想要太多雕琢的痕迹。
